6 junio, 2012. Por

Rollin Leonard

El carnicero de Colorado
Entrevistamos a uno de los artistas más interesantes y biodegradables del GIFmondo: Rollin Leonard
Rollin Leonard

Todos tenemos un primo, un hermano o un amigo “rarito” al que pillaron quemando hormigas, vistiéndose con la ropa de su madre a escondidas, cortando la carne en cuadrados minúsculos perfectos o fotografiándose a sí mismo desnudo. Rollin Leonard (Colorado, 1984) conserva alguna de estas manías infantiles; pero él, que es listo, ha sabido elevarlas a la categoría de arte (GIF) y mostrarlas al mundo sin tabúes ni vergüenza ninguna. Su carnicería particular disecciona el cuerpo humano para luego recomponerlo en un festín de divertidas marionetas mutantes a modo de Frankenstein animados de escala ambigua y formato animado (.swf/ .gif). El modo analítico de comunicar el proceso creativo de sus obras conecta con el público incluso en el caso de las obras más sesudas, conceptuales o teóricas. Además, Rollin es un tío enrrollado y generoso y nos/os ha querido brindar con una obra exclusiva de su maravillosa serie Reanimations. Para cortarse, chuparse y comerse los dedos. Literalmente.
Imagen del artículo: Mitosis, gif inédito de la serie Reanimations exclusivo para Notodo


Notodo: Parece que con el tiempo has sustituido el formato .gif por otros formatos alternativos de animación como .swf. ¿Cómo o qué factores te hacen decidir el formato de tus obras?
Rollin Leonard:
Proyectos como Spiral Unravel o Divide Helen están desarrollados en formato .swf porque ambos utilizan un pequeño código de anidación de secuencia (timeline), y la alta calidad de las imágenes imposibilita el uso del GIF. Recientemente he empezado a usar el formato .gif más frecuentemente porque me invitaron a hacer proyectos específicos que requerían el uso de este formato; como Art Fag City’s award ceremony con mi amiga Lorna Mills (NdeR: otra artista gif) o algún otro proyecto para la Widget Art Gallery.
El formato de las obras tiene una influencia en mi obra en cuanto a que hace referencia a una economía de imágenes. Los loops y repeticiones infinitas requieren una afinación más delicada de las transiciones y los tiempos, y los GIFs no requieren Flash para ser “reproducidos” o para activarse; y absolutamente todos los exploradores soportan su formato. Además, llaman la atención y siempre parecen como pequeñas máquinas rotas.
En los ‘90 yo todavía era un chaval y mi padre siempre se aseguró de que tuviera un ordenador (seguramente mi casa fue la primera del pueblo en tener conexión a internet de alta velocidad). Por lo tanto, la estética del GIF tiene una connotación nostálgica para mí; aunque muchas de las cosas que veo de los artistas GIF han evolucionado mucho por otras vías.
Los americanos son muy remilgados y pudorosos con respecto al desnudo humano: lo consideran indigno

NTD: La manera de hacer y mostrar tus obras y el proceso creativo de las mismas es muy analítica. ¿Es éste un reflejo de tu manera de trabajar o realmente es una herramienta de comunicación para llegar mejor al público?
R.L.:
Debo decir que ambas suposiciones son correctas. Mi trabajo viene de la experimentación y la observación a través de la aplicación de procesos predefinidos. Me gusta conseguir que mi método analítico sea lo más transparente posible para mis espectadores. Sin embargo, no me gusta nada envolver mis obras en un velo de misterio gratuito o intencionado.

NTD: Parece que uno de los temas más comunes y permanentes en tu obra es el cuerpo humano, pero también cómo las partes de ese cuerpo y su movimiento pueden conformar una nueva entidad. ¿Te consideras un artista figurativo?
R.L.:
La mayor parte de mi trabajo online utiliza la “carne” y el cuerpo humano para, probablemente, dotar de una mayor humanidad a un entorno virtual que no puedes tocar. Hemos evolucionado como criaturas con un patrón reconocible, y el patrón más reconocible es el cuerpo o el rostro humanos. Yo investigo y exploto la elasticidad de una imagen que tenemos tendencia a ver de manera convencional, estirándola, cortándola, mezclándola; pero siempre conservando esa capacidad de reconocer su origen o incluso de reconocer su identidad. La tensión que se genera entre el patrón que deforma y mezcla la figura humana y la identidad, la cara que sabemos que permanece ahí dentro, ayuda a describir mi proceso de trabajo. Tomo y uso muchas fotografías de seres humanos pero no sé si ese hecho me convierte en un artista figurativo.
Me gusta pensar mi cuerpo como “material” artístico. Me deleito viendo cómo se comba o se estira y me fascina cuando en alguna ocasión me corto o hago una herida

NTD: Incluso en muchas ocasiones es tu propio cuerpo el material que empleas en tus obras, cual carnicero que corta y pega una y otra vez su propia carne en un infinito bucle escatológico. No serás vegetariano, ¿verdad?
R.L.:
¡Exactamente! Me gusta pensar mi cuerpo como “material” artístico y me alegra ver que has captado ese detalle. Me deleito viendo cómo se comba o se estira y me fascina cuando en alguna ocasión me corto o hago una herida. Aunque sea una especie de cliché artístico, conservo mi propio pelo desde hace diez años (tengo la costumbre de cortarme el pelo yo mismo). Al principio no lo hice con ningún propósito específico, pero el resultado fue fascinante: matas de pelo como estratos sedimentarios de roca con los cortes de verano más claros y rubios que el pelo cortado en invierno. No soy vegetariano (aunque respeto mucho esta perspectiva moral de su filosofía), pero pienso que hay una relación o simbiosis muy clara en mi cabeza entre la cocina y el arte. Dedico mucho tiempo en pensar cómo pelar una naranja. Algunos de mis primeros trabajos (los cuales probablemente no aparezcan en mi web) combinan cuerpos humanos y fruta (ambos picaditos y digeridos).

NTD: Corrígeme si me equivoco, pero parece que tus dilemas artísticos podrían asemejarse a los dilemas que vemos por ejemplo en el cine de Cronenberg. ¿Existe alguna referencia o influencia específica en tus trabajo?
R.L.:
Sería absurdo negar influencias como el “body horror” de las películas de Cronenberg o a las recientemente popularizadas trash movies como The Human Centipede, pero creo que mi enfoque artístico es mucho menos repulsivo, menos “creepy”. Mi trabajo no consiste en investigar o exponer temas perturbadores pero sí hay una especie de forcejeo con el cuerpo humano. El único momento en el que el dolor entra en juego es cuando intento darle un aspecto natural o fluido.
Mi trabajo online utiliza la carne para dotar de una mayor humanidad a un entorno virtual que no puedes tocar

NTD: En página web de hecho adviertes en algún caso que el material que muestras puede ser ofensivo por el hecho de mostrar en algún que otro momento tu pene o partes íntimas del cuerpo. ¿Qué opinas sobre el hecho de que el desnudismo siga siendo un taboo en nuestra cultura o en el arte? ¿son los americanos más remilgados en este sentido?
R.L.:
No creo que mi trabajo sea particularmente ofensivo o impactante. La advertencia que hago en mi página web está dirigida principalmente a mis familiares y amigos. Los americanos son muy remilgados y pudorosos con respecto al desnudo humano: lo consideran indigno o insano. No me gusta la idea de que la gente se sienta extraña con respecto a sus cuerpos, pero tristemente mi trabajo ha provocado más reacciones negativas cuando me he representado a mí mismo vistiendo ropa femenina que cortando mis dedos.

Time, Stretched: Butterfly: vídeo para Plink Flojd, en colaboración con Yoshi Sodeoka

NTD: La escala parece que es el otro gran tema en tus obras; e incluso el tamaño, la posición y el modo de mostrar las obras. ¿Es la escala y el formato tan importante como el contenido y la forma de tus proyectos? ¿Deberían ser estos temas esenciales para cualquier artista que trabaja en la red?
R.L.:
La escala es un tema extraño para mí cuando se desarrolla en el entorno de la red. Desde que las plataformas son variables (screens de diferentes tamaños) la escala no es tan constante y sólida como en la vida real. En el caso de mis pinturas o instalaciones físicas, la escala humana está siempre muy conscientemente elegida y pensada. Online no estás físicamente relacionado con el trabajo que estás viendo: aceptas el marco (la pantalla) que contiene la obra que estás mirando y cualquier ilusión de escala relativa dentro de ese marco, pero esa relación no se extiende al espacio real o el lugar mismo desde el cual estás observando la obra.
Mi trabajo ha provocado más reacciones negativas cuando me he representado a mí mismo vistiendo ropa femenina que cortando mis dedos

NTD: ¿Consideras internet como el verdadero museo de tu trabajo?
R.L.:
El arte que está concebido para ser expuesto en la red es mejor verlo de esa manera; de igual manera que las obras físicas es mejor verlas en vivo, en la vida real. Arranged by File Size es un buen ejemplo de obra expresamente creada para la red, cuya lógica vierte en la vida y el espacio físico real. El “tamaño” es considerado más como una variable que como un modo de intuir la escala en el espacio físico real. Desde que los .jpg y los .gif tienen un tamaño se (auto)ordenan y archivan mucho más fácilmente que cuando los imprimo yo mismo. En la versión Fire de Arranged by File Size las imágenes son modulares, de tal manera que se pueden montar horizontal o verticalmente (de la misma manera que en una carpeta de archivos en un ordenador). Este es el diagrama que explica las diferentes opciones de modulación y colocación de la obra impresa. Lo que obtienes en la vida real es muy diferente de lo que puedes observar en la red: en la red puedes interactuar con la obra cambiando el tamaño de la ventana o haciendo scroll; con la obra física puedes interactuar alejándote o aproximándote, en un gradiente de mayor a menor información visual. Impresa, la imagen domina el espacio en el que se encuentra y parece mucho más seria; online su carácter es mucho más juguetón.
Impresa, la imagen domina el espacio en el que se encuentra; online, su carácter es mucho más juguetón

NTD: Hemos hablado de cómo las piezas que se exponen online tienen sus propias leyes de formato, escala, tamaño… ¿Consideras que precisamente por este motivo el arte GIF, o al menos el net.art, debería ser un arte en sí mismo como lo es la pintura, la escultura o el cine?
R.L.:
  Definitivamente sí. Incluso si no pensara eso seguiría siendo cierto. Hay una corta pero densa trayectoria histórica del net.art como práctica artística en sí misma (si no se lo creen, visiten Rhizome). Incluso me atrevería a decir que para los que tenemos un contacto más directo con la disciplina artística podríamos diferenciar entre videoarte y vídeo en la red: aunque la única diferencia sea el método de distribución ya es suficiente como para separar ambas prácticas artísticas.
No considero que el GIF esté de moda pero imagino que por su relevancia histórica han permanecido como un medio de expresión artística

NTD: ¿Reconoces una escena artística actual del net.art o el GIF art?
R.L.:
La gente de la escena artística con la que me relaciono o me siento vinculado son casi todos amigos. Como el trabajo puede realizarse y distribuirse tan rápidamente puede haber un diálogo continuo entre artistas que quizá ha propiciado este hecho. Hace un par de semanas tuve que cancelar mi cuenta de Facebook durante un fin de semana y Anthony Antonellis respondió rápidamente con ésto y con un vídeo que tomaba prestadas mis imágenes para mezclarlas con vídeos reciclados de la red de lutos masivos y música dramática: fue como si me cocinaran al horno y me sirvieran con patatas.
No considero que el GIF esté de moda (lo estuvo en los ’90 cuando yo aún jugaba con la Nintendo y todavía no me dedicaba al arte), pero imagino que por su relevancia histórica ha permanecido como un medio de expresión artística. El artículo escrito por Paddy Johnson (Director Editorial de Art Fag City) echa un vistazo sobre lo que está ahí fuera y remarca la gran expansión de los GIFs. Incluso los medios más “basura” y los rincones populares de la web como reddit.com echan mano de los GIFs animados para producir cultura.

NTD: Finalmente, ¿cómo ves el presente y futuro del net.art?
R.L.:
¡Joven y fresco como una lechuga y en expansión! Hay muy pocos obstáculos infranqueables para trabajar y relacionarse con otros artistas online: es un arte accesible y poblado de actores. Little memes brotan por todas partes, y gran cantidad de artistas consumen y digieren esos productos. A veces siento que es más directo dar la mano, decir algo en clave o guiñar un ojo para que los demás sepan que estás en el juego, en la onda. Pero a veces las cosas más interesantes pueden transmitirse mejor utilizando este vocabulario y método.

Rollin Leonard

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